jueves, agosto 06, 2015

1994: El mejor año de películas de mi vida






Cuando empiezas a recordar claramente cosas que sucedieron hace 20 años es cuando te das cuenta que te estás volviendo viejo.  Pues estamos a 21 años de uno de los mejores años de mi vida y uno de los mejores años de la historia del cine reciente.  

El año 1994 fue para mi fue el momento de dejar la infancia y relacionarme con miles de estímulos externos que me atacaban por todos lados en forma de música, viajes, comida, chicas (estás no atacaban por ningún lado) y por supuesto de cine.  En 1994  Soundgarden y Pearl jam lideraban el movimiento grunge de Seattle y nadie tenía ni internet ni teléfonos móviles. Nadie. Cuando querías llamar a alguien, llamabas a su casa y preguntabas por ellos. "¿Hola, está Santiago? Gracias"

Cuando querías oír música, comprabas o copiabas un cassette y cuando querías ver una película, ibas al cine o las veías en tu VHS. Un mundo más sencillo que realmente añoro. 

En el mundo del cine fue un gran año también, quizás uno de los mejores. No se si pienso que fue tan especial porque el año 1994 fue especial para mí, o si lo he extrapolado como un gran año para el cine también. Pero examinemos las películas de ese año para ver que pasó.

El listado no está en orden de gustos ni calidad. Sencillamente son las principales películas de 1994.


  • En la lista tienes grandes actores en actuaciones magistrales como Martin Landau en Ed Wood, Jean Reno en León o Tom Hanks en Forrest Gump.
  • Actores de hoy que en este año hicieron sus primeras grandes actuaciones como Natalie Portman en León, Sandra Bullock en Speed o Ray Fiennes en Quiz Show.
  • Películas de grandes directores como Tim Burton, Woody Allen, Ang Lee, Robert Redford o Krystof Kieslowski.
  • Y también un gran año de películas extranjeras con Fresa y Chocolate, Quemado por el sol, La trilogía del Color: Rojo, Il Postino o Comer, beber, amar.


Las 30 películas de 1994 que tienes que ver:







1. The Shawshank Redemption (La mejor película de la historia según IMDB y casi todo el mundo).
2. León: El Profesional (Grandísima película de Luc Besson. Jean Reno y Natalie Portman a tope).
3. Pulp Fiction (Para mi la mejor película de todas. Cambió mi vida con su estructura y diálogos)
4. Forrest Gump (La ganadora del Oscar de 1994. No inmerecido pero yo lo hubiera dado a Pulp Fiction).
5. Ed Wood (Películón de Tim Burton. Con profundidad, humor y toque Burton como siempre).




6. Legends of the Fall (A algunos nos gusta mucho, otros la odian. Soy un poco melodramático).
7. Natural Born Killers (Guión de Tarantino. Para mí un peliculón y también cambió mi vida).
8. Four weddings and a funeral (Cambió la forma de hacer comedias románticas).
9. The Lion King (La mejor película de Disney en la época pre-pixar).
10. Quiz Show (En otro año hubiera destacado).



11. Dumb & Dumber (La primera película de los hermanos Farrely. Tan tonta que gusta).
12. The Crow (Película de culto gótico por la muerte de Jason Lee en el rodaje).
13. Los tres colores: Rojo (La mejor de las tres películoas de la trilogía del color de Kieslowski).
14. Reality Bites (Pelicula de culto de la época grunge. Ethan Hawke y Winona Rider a tope).
15. The Mask (Precursora de los efectos especiales digitales y debut de Cameron Diaz).



15. Il Postino (A mí me gusto mucho en su época. Bien dirigida y poética).
16. Speed (La peli de acción del año. Keanu Reeves dándolo todo).
17. Ace Ventura: Pet Detective (Peli de culto ahora.  Tiene momentos Jim Carey muy divertidos)
18. True Lies (Una de acción de Schwarzenegger con humor y buen acción).
19. The Client (Basada en el libro de john Grisham.  Julia Roberts y Denzel corriendo por su vida).




21. Bullets over Broadway (La de Woody Allen del año. Muy divertida y en su línea como siempre).
22. Interview with a Vampire (A mí no me gustó pero tiene muchos fans por Tom Cruise y Brad Pitt creo).
23. The Madness of King George  (No la vi, pero dicen que es buenísima)
24. Little Women ( Buena adaptación de la novela homónima).
25. Nell (Interesante película de Jodie Foster. No destacó en este año pero pudo hacerlo en otro año).



26. Before the Rain (No la he visto)
27. Quemado por el sol (Oscar: Mejor película de habla no inglesa).
28. Comer, Beber, Amar (Dicen que es una gran película de Ang Lee. No la he visto)
29. Farinelli: Il Castrato (A mi me gustó mucho. Una de las extrajeras al Oscar de ese año).
30. Fresa y Chocolate (Gran película cubana sobre la homesexualidad y la represión cubana)

El problema de tener tan buenas películas en un año es que 1994 subió el estandar de lo que debía ser un año en el cine. Lo triste es que llevo todos estos años esperando otro año igual o similar con grandes películas de diferentes géneros y la verdad es que cada día veo menos películas buenas cada año. Y en las listas de los Oscares tampoco veo películas especiales que marquen una época ni que sean realmente para recordar. Muchos dirán que el cine ha evolucionado pero también pienso que el que no he cambiado he sido yo.  Uno enamorado de 1994 de sus grandes películas y de todo lo que viví cuando tenía esa gloriosa edad de 16 años.

jueves, abril 19, 2012

De MTV al Cine y "Olvídate de mí"


Se dice que mi generación es la generación de MTV.  Empezamos a ver la tele mas o menos al mismo tiempo que se estrenó MTV y eso fue una importante influencia en nuestra generación. Desafortunadamente con los años MTV ha ido decayendo, se ha "prostituido" y ahora sólo tiene programas de reality shows tipo Jersey Shore, tele-series de baja calidad y de vez en cuando vídeos músicales de "moda" y cada vez de menor calidad.

Pero a finales de los ochenta y principios de los noventa, MTV fue una innovación en el formato de la tele impresionante que daba vídeos músicales 24 horas seguidas.  Además impulsó a la industria musical, al mensaje y formato de los vídeos musicales y sobretodo al lenguaje cinematográfico, de la mano de una generación de geniales directores. Estos directores primero nos regalaron magníficos vídeoclips en los 80s y 90s,  y después hicieron la transición al cine donde también cambiaron un poco el status quo del mundo del cine.




Esta generación la lideró seguramente  David Fincher que dirigió vídeos para Madonna y Michael Jackson en los 80s. Quién no recuerda el vídeo de Madonna de "Express yourself" o "Vogue". Después se pasó al cine para ser uno de los directores con más talento de los 90s gracias a  Se7en, The Game, Fight Club y Panic Room en esa década. Un director diferente con una forma de pensar que no era el patrón de la generación anterior.

Cunningham, Jonze, Björk y Gondry
Pero hay otros dos que quiero destacar hoy:  Spike Jonze y Michel Gondry.

Spike Jonze dirigio en los 90s,  videos ahora inmortales para Björk, Fatboy Slim, Notorious BIG, Chemical Brothers y los Beastie Boys entre otros.

 Ya escribí una entrada hace unos años sobre Spike Jonze y los invito a leerla de nuevo: Donde viven los directores salvajes.  




Spike Jonze dio el salto al cine en 1999 con "Being John Malkovich". Con guión de Charlie Kaufman, Spike Jonze hace una película, diferente, loca, desestructurada y genial.  Ya mostrando elementos utilizados en sus vídeos musicales.  Después en 2002 hace "Adaptation", otro guión de Charlie Kaufman, y otra rayadura de cabeza que a muchos en la crítica no les gustó pero que a mi me pareció impresionante.  En 2009 dirigió, "Donde viven los Montruos",  una muy bonita película basada en el cuento infantil de Maurice Sendak.  Jonze es un director diferente con gustos extraños y un poco loco pero con una visión diferente. Siempre es una experiencia diferente ver una de sus películas.

Michel Gondry, de nacionalidad francesa, dirigió en los 90s vídeos musicales de Björk, Massive Attack, Beck, Daft Puk, y The White Stripes entre otros.  Su primera película fue Human Nature en 2001 con guión de  Charlie Kaufman otra vez.  No fue muy exitosa pero ya deja ver su extraordinaria visión cinemtográfica.

Su segunda película, Eternal Sunshine of the Spotless Mind, en España titulada "Olvídate de mi" (2004), es una maravilla y una de mis películas favoritas. Con guión de (adivinen quién?) Charlie Kaufman, es una de las mejores comedias románticas del cine. Historia de atraccion inevitable y triste. Juega a ser comedia romántica pero no lo es. Gondry juega innovando en formato y tecnica. Estructura onírica, caótica e inversa. Profundiza en el dolor del desamor y en la fuerza del amor verdadero. Charlie Kaufman se mete nuevamente en la mente de sus personajes para llevarnos en un viaje por el subconsciente y los sentimientos. Es sin duda la actuación mas destacable, contenida y profunda de Jim Carrey. Empieza un poco lenta pero coge ritmo y no para hasta el final.  Una película inolvidable y además mejora al verla una segunda o tercera vez.  Además de una gran banda sonora de Beck.


La última película de Gondry es The Green Hornet, película que no me encaja en su filmografía aunque es entretenida.  Quizas es de esas películas que un estudio les encarga y que como dice John Malkovich, son películas que se hacen para pagar el alquiler.

jueves, marzo 29, 2012

Mirando hacia atrás: cine en el 2011

En el último año he visto poco cine que me emocione. Quizas me estoy volviendo muy snob con el cine pero la verdad es que las series de TV si logran emocionarme y contar historias que me interesen. Ya he hablado anteriormente en otras entradas sobre la época dorada de las series de tv, pero hoy voy a centrarme otra vez en el cine y hablar de dos ejemplos de por qué ha sido un año un poco triste en el cine.
Voy a hablar de las dos grandes triunfadoras del año en los premios Oscar 2011. Las películas que se supone que son las mejores del año y que son la referencia de lo que la industria audiovisual está haciendo en este momento en el tiempo:  Hugo y The Artist.

Las dos películas son homenajes al cine clásico y curiosamente una de nacionalidad francesa homenajeando al cine mudo norteaméricano  y la otra de una leyenda del cine estadounidense (Martin Scorcese) rindiendo tributo a un cineasta francés (George Méliès).

The Artist es una película alegre de ver y que deja buen gusto en la boca al salir del cine pero al verla ganando el premio a mejor película, me he puesto a pensar un poco más en ella.   No sé que estandares utilizarán para elegir películas, pero The Artist, además de hacer un lindo homenaje, no aporta casi nada más al cine, al lenguaje cinematográfico o incluso al espectador.

Su guión es lineal, sencillo, y sin profundidad alguna. Es sencillamente un guión de una película muda hecha un siglo después, punto. Sin giros o innovaciones.  La estructura de la película es también lineal, plana y predecible. Su dirección es muy normal y lo mejor que tiene es la actuación de Jean Dujardín y su perro.

The Artist es una versión plana de lo que Billy Wilder ya hizo magistralmente en 1950 con Sunset Boulevard.  "El crepúsculo de los Dioses" es un homenaje bien hecho al cine clásico de Hollywood con profundidad, complejidad, belleza, giros inesperados y hasta cameos de los grandes del cine clásico como Cecil B. DeMille y Buster Keaton. No entiendo por qué premian 60 años después a The Artist por ser una película menos arriesgada que la que intenta homenajear. La idea pura de un homenaje es llevar el concepto de la película anterior más adelante e innovar rindiendo tributo.  La verdad es que hasta el director Michel Hazanavicious  al recoger su Oscar a mejor director, admitió que su película está hecha intentando seguir los pasos de Wilder diciendo: "Quiero agradecer a Billy Wilder, Billy Wilder y Billy Wilder".

"Hugo" por otro lado es la película número 53 de Martin Scorcese: un maestro del cine y uno de mis favoritos.  Scorcese decide homenajear  también al cine primigenio y particularmente a George Méliès y Harold Lloyd.  Todo perfecto hasta aquí.  El problema es que "Hugo" no es una película entretenida.  Es un tostón de dos horas que casi no tiene de donde cogerla.  Scorsece me tendrá que disculpar pero lo mejor de "Hugo" son los fragmentos de las películas de  Méliès que puso dentro de la película (La secuencia de "El viaje a la luna").  La historia del niño es insufrible y sosa, las historia del viejo Méliès es plana y peor aún las historias secundarias de la gente de la estación de tren y sobretodo (mi actor más odiado) Sasha Baron Cohen.   La película intenta tener magía usando 3D, colores brillantes y una preciosa escenografía pero al final parece como un "faux pas"  de Amelie.  Intenta ser Amelie pero se queda muy muy lejos.
Con respecto a los Oscares, no entiendo como esta películas sea nominada a algo que no sea vestuario, escenografía y fotografía.

En fin, hubiera sido mejor sacar más premios Oscares honoríficos para George   Méliès , Billy Wilder, Charlie Chaplin y Harold lloyd, y dejarle el Oscar de mejor película a Midnight in Paris (o Mad Men si se pudiera).


martes, junio 07, 2011

Darren Aronofsky: Drogas, Decadencia, Paranoia e Introspección

Llevaba mucho tiempo esperando a que Darren Aronofsky filmara una película para ayudarme a entender y darle sentido a su filmografía en su totalidad. Black Swan no es sólamente la película que lo ha encumbrado con los más grandes directores de esta generación, sino que también ha dado sentido al conjunto de su obra, que aunque es de gran complejidad en si misma, parece tener bastantes elementos en común y recurrir a sus temas predilectos de la psique y alma humana.

La primera película de Aronofsky, un neoyorkino graduado en dirección de cine en Harvard, fue Pi. Trata sobre Max, un matemático judío con terribles jaquecas y paranoias que intenta encontrar el numero completo de Pi.  Película en blanco y negro, bastante perturbante y estridente.   Muestra desde ese momento las buenas maneras de dirección y guión de Aronofsky y deja al espectador con un sabor de boca extraño al salir del cine.

Su siguiente película es la que lo hace saltar a la fama. Requiem por un sueño, película del 2000, es una historia de cuatro personas que tienen experiencias diferentes con las drogas.  Otra pieza inquietante y llena de tristeza donde Aronofsky describe la forma en que sus personajes luchan por salir adelante, sin éxito, y sin duda con finales trágicos. Me gustó particularmente la historia de la madre que se ve envuelta en una adicción a pastillas para la dieta. Bien dirigida, con un montaje entretenido y manejo de cámara nervioso y poco iluminado.






No he visto La fuente de la vida que fue su película de 2006 pero si El Luchador en 2008 donde Aronofsky ofrece a Mickey Rourke un papel para su redención personal y artística similar a la de su personaje en la película. Una vieja gloria de la lucha libre norteamericana que está en decadencia y lucha por seguir adelante día a día frente a su vida, su hija, su reputación, orgullo y su adicción a los esteroides, analgésicos y cocaína.  Otra historia triste de decadencia pero no muy memorable como película. Lo que si tiene es la firma especial de los temas favoritos de Aronofsky y la gran actuación de Marisa Tomei como siempre.  El Oscar de Rourke a mi entender es uno de esos premio que tanto gustan a Hollywood: no muy merecido pero si muy sentimental.

Finalmente está Black Swan que seguramente es su mejor obra hasta el momento y merecida ganadora de lo premios recibidos. Una película compleja y bien narrada. Un Dr. Jekyll y Mr. Hyde con final trágico pero esta vez el camino es muy diferente.  En Black Swan, Nina Sayers (Natalie Portman) es nombrada protagonista del ballet del Lago de los Cisnes de Tchaikovsky y tiene que ejecutar su papel a la perfección para poder estar a la altura de la obra, de los personajes de la obra, de su director, su madre ex-bailarina y del exigente público del Lincoln Center en Nueva York. Nina lucha para llegar arriba y su caída es grande y terrible ya que cae desde lo más alto.

Aronofsky se mete muy en profundidad en la vida de las bailarinas profesionales y nos muestra su esfuerzo, disciplina, sufrimiento y sacrificio. Una obra maestra que habla del arte dentro del arte y que requiere de todo un viaje de conocimiento y una filmografía como la de Aronofsky, llena de conflictos, sentimientos e introspección para poder llegar hasta aquí.
No son historias de triunfadores ni de triunfos; cuenta historias de personas en decadencia, con problemas mentales y físicos, que caen en espirales de paranoia y autodestrucción que los llevan a perderse o a caer a lo más profundo.
Un director que no es para todos los gustos, pero es sin duda un creador de historias complejas y con mucha visión del alma y la mente humana.


sábado, marzo 19, 2011

Las Alas del Deseo

Hace unos años conocí Berlín y tuve la suerte de estar allí durante unos diez días. Me fascinó y sin lugar a dudas se convirtió en una de mis ciudades favoritas que conozco. Pero más allá del atractivo contraste entre Berlín oriental y occidental, su arquitectura Bauhaus y su buena gastronomía y cerveza; lo que más me ha gustado de Berlín es su gente y el espíritu de libertad y progreso que se siente en casi todos lados. Berlín transmite instantáneamente una sensación de cambio y de querer borrar lo sucedido en el pasado. Una ciudad reconstruida pero que guarda en muchas esquinas el recuerdo de lo que sucedió y lo que los Berlineses no quieren volver a ser. Un ejemplo es la Iglesia-Memorial Kaiser-Wilhelm que vemos en la fotografía de la izquierda. Una iglesia de arquitectura neorrománica destruida en la segunda guerra mundial pero que han decidido conservar sus ruinas para recordar el horror y las heridas de la guerra. La verdad es que es visualmente impactante y triste.
Ayer vi una película que siempre me ha gustado pero que al verla de nuevo le vi más niveles de complejidad que antes no había percibido. Siempre suelo decir que una película buena es la que en el segundo o tercer visionado se ven más cosas y gusta más. Las malas son peores la segunda vez.  El cielo sobre Berlín de Wim Wenders  trata sobre unos ángeles que viven invisibles entre los habitantes de Berlín y los oyen, consuelan y acompañan durante su  vida y situaciones diarias. Uno de los ángeles desea experimentar la vida de los hombres y sentir sensorialmente lo que ellos sienten.  En primer nivel es una película muy bonita y poética que está rodada en blanco y negro para representar la visión de los ángeles y en color para la vida de las personas.  En un segundo nivel es una película que habla sobre ese proceso de curación de los Berlineses. De como sus ciudadanos luchan por dar un paso adelante y progresar sin olvidar el pasado turbio de la ciudad y lo que pasó allí.  Hay una tercer nivel y es que la película fue rodada en 1987 cuando Berlín estaba todavía dividida y el comunismo y el muro de Berlín estaban a punto de caer. Es una película cargada de emoción pero con un aura triste.

El caso es que me parece que es una de las películas que mejor representa para mí lo que es el cambio y espíritu de los Berlineses.  El cielo sobre Berlín fue estrenada bajo el título de Der Himmel über Berlin en 1987 y fue seguida unos años más tarde por una secuela también de Wim Wenders que se llama ¡Tan lejos, tan cerca! bajo el título In weiter Ferne, so nah! Esta secuela que fue estrenada en 1993 con más presupuesto debido al éxito de El cielo sobre Berlín, es otra buena película que continua analizando el proceso de transición de los Berlineses pero ahora bajo la lupa de la reunificación de Berlín y analizando las grandes incongruencias y contrastes existentes.  La historia sigue narrando la caída de un ángel que decide experimentar por su cuenta como viven los hombres y su deseo por sentir empíricamente el amor, el calor, el hambre y la muerte.

Es interesante recordar que en 1998, Hollywood decidió hacer un remake de estas películas de Wim Wenders cambiando Berlin por Los Angeles y utilizaron a Meg Ryan y a Nicholas Cage para dar vida a este remake.  El resultado fue City of Angels y como podrán imaginar el resultado no es nada memorable.  Una película sosa, mal actuada y mal dirigida que paso por la taquilla como por mi memoria; fugazmente.
Les recomiendo comprar estas dos películas de Wenders y si pueden, y se los permite su trabajo, el bolsillo y sus ocupaciones; visiten Berlin y disfruten de una ciudad espectacular y moderna, con unos de los mejores ciudadanos y ciudadanas que he conocido nunca.

martes, diciembre 28, 2010

Animación para no-niños

Yo soy de la generación de los Simpsons. Los que me conocen dicen que la mitad de mis conocimientos están basados en Los Simpsons.  De pequeño recuerdo que mi madre decía que no le gustaban para nada, que le parecían "matachos horribles"  y que no creía que fueran para niños.  Y la verdad que es que no lo eran y no lo son hoy en día.  En su momento fueron una innovación en el formato de las series de televisión buscando un medio que permitiera decir y hacer lo que quisieran los guionistas sin las limitaciones del mundo físico y los actores.  La animación dio alas a que se iniciara una nueva etapa en la escritura de las series y según mi opinión, el inicio del boom de talento y creatividad que vemos hoy en día en el mundo de las series de televisión.   Aunque incluso hoy en día ciertos canales siguen poniendo a Los Simpsons en horario infantil como si ese hubiera sido su target de audiencia alguna vez.  A estas series les llamo, por falta de un mejor nombre o genero especifico: Animación para no-niños.

La primera de estas series para no niños que recuerdo fue Beavis y Butthead de la cadena MTV.  Era una serie creada por Mike Judge en 1993 que trataba de dos adolescentes realmente idiotas que se sentaban todos los episodios en su sofá a criticar los vídeos y los grupos de MTV. Su exito residió en la forma directa y particular para hacer de criticos musicales y dar aprobados o suspensos a los personajes del momento. Todo maquillado por la ignorancia de los personajes y en la idea en que por ser animación, es difícil asignar responsabilidad por las burradas que decían de todo el mundo.  Después evolucionó a mostrar más aventuras de Beavis y Butthead en el colegio o por su pueblo.   Una serie muy cruda en animación y repetitiva en formato pero a veces atacaba con agudo ingenio y daba en el clavo.



Por esos mismos años conocí a  Los Simpsons, desde luego la gran innovadora, y aunque genial desde sus inicios, fue incrementando su calidad año a año en agudeza, profundidad, estructura de guión.  También fue creciendo en sus aspectos más fundamentales que son en sentido del humor y ese sentido del sarcasmo enfocado a la caricaturización (nunca mejor dicho) de la sociedad y la familia estadounidense del momento.  Los Simpsons ha sido no sólo una fuente de entretenimiento continua sino un profesor y mentor durante ya casi veintidós años.  No hay estereotipo no tratado ni tema sin investigar:  la política, los deportes, las guerras,  la ficción, la realidad, el cine, el racismo, el clasismo, los gays, los inmigrantes, las religiones,  los medios, la eduación, el gobierno, los clásicos, el arte y mucho mucho más. Tan cercanos como una familia real pero a su vez inmortales y eternos.  Los Simpsons y Springfield no son sólo una ciudad y una familia sino todas al mismo tiempo. Son universales. Podría escribir horas y horas sobre sus enseñanzas.
 Aunque los Simpsons  no son el final de este trayecto,  después de unos quince años de éxito, sus mejores guionistas se fueron a buscar otros proyectos. Unos se volvieron presentadores de televisión como Conan O`Brian, otros se pasaron al cine, y otros se incorporaron a otros proyectos.   

En 1997 South Park apareció en escena y dio otra vuelta de tuerca a la estructura de la animación.  Trey Parker y Matt Stone, originarios de Colorado,  deciden empezar un proyecto donde la animación es sólo un vehículo para narrar su historia. Es tan evidente que los personajes son bidimencionales y rudimentarios. De hecho parecen hechos con cortaduras de papel de colores.   Este detalle confundió haciendo pensar que era una serie de bajo presupuesto y de peor contenido pero nada más lejos de su intención verdadera.  South Park en pocos años atrajo la mirada de todos por su acidicimo humor, critica hiriente sin merced ni miramientos y sobre todo por su vocabulario sin censura ni tapujos y sin ningún tipo de pudor.  Se metieron con temas tabú como ninguna serie se había atrevido antes. Los Simpsons tocaban esos temas con ironía pero Soth Park los atacaron de frente:  pederastia, ataques religiosos a curas, Jesús, Mahoma, judíos, violencia, homosexualidad, machismo y todo al que pudieran atacar, personajes famosos del mundo real sin cambiar los nombres ni pedir permiso ni perdón.

 Muchos la consideraron una aberración sin gusto pero ciertamente tuvo una ventana de admiradores y su humor triunfó para los que creen en la libertad de expresión y para los que creen que la crítica directa es la mejor medicina para ciertos males de la sociedad.  Para los que fueron o se sintieron atacados, seguramente no fue divertido.   Lo que quedó claro es que no era una serie de animación para niños y la pasaban muy tarde en la noche y con avisos sobre lenguaje explícito y contenido para adultos. Ya era un genero aparte.


 Hoy en día están de moda más que nunca las series de animación de este género.  Podemos ver Family Guy y sus Spin-offs American Dad y The Cleveland Show. Estas nuevas series de hoy, creadas por Seth MacFarlane son las herederas naturales del lenguaje y evolución de los Simpsons, South Park y Beavis y Butthead.  De los Simpsons toma su estructura de familia unida pero desequilibrada emocionalmente que critica las sociedad actual y lo que la rodea.  De South Park toma su gusto por los chistes pesados, escatológicos y groseros. También el cinismo duro con el que critica a los personajes de la actualidad. Aunque también parece estar innovando por si misma y ya se ven brochazos de un estilo propio.  Alguna satira muy bien lograda o algún chiste bien desarrollado.  Sobre todo en el uso de los flashbacks y las elipsis temporales.

Termino poniendo un video del aniversario de los 20 años de los Simpsons. No sólo es la serie que más lleva corriendo en antena seguido sino la de mejor rating de toda la historia de la televisión. La introducción es presentada por algunas personas de las que he hablado en el artículo rindiendo homenaje. 




viernes, noviembre 26, 2010

Band of Brothers: ¿Por qué luchamos?

En 1998, Steven Spielberg estreno "Salvando al Soldado Ryan"  para completar su idea de dramatizar cinematograficamente la segunda guerra mundial, brindar un homenaje a los caídos en en día D y narrar una historia que sumergiera a los espectadores de una manera cercana y cruda a los sentimientos y sensaciones de una guerra verdadera.   El resultado fue bastante exitoso en taquilla aunque se quedó corta tanto para Spielberg como para ciertos espectadores, yo incluido, en cuanto a los objetivos deseados.  La secuencia del desembarco en Normandía fue impresionante y sensorialmente apabullante.  Balas silbando, caos, confusión, sangre, sesos volando y colores apagados y tristes como esa madrugada de Junio de 1944, pero la historia era floja, se fue cuesta abajo después del desembarco y el resto fue inconsecuente.





El defecto fundamental de la película es que en dos horas es imposible transmitir lo que se siente en una guerra, es difícil meterse en la piel de los soldados y resulta complicado narrar sucesos para darle el valor histórico a lo que sucedió en esa fatídica época.   Spielberg desde el mismo estreno del soldado Ryan, ya pensaba en complementar ese proyecto, y para hacerlo necesitaría de otro formato narrativo.




Band of Brothers es el resultado de ese esfuerzo corrigiendo lo que faltaba en el soldado Ryan.  Una serie  de Televisión basada en el libro de Stephen E. Ambrose y  producida por Speilberg y Tom Hanks y especialmente HBO, que seguramente realiza las mejores series de televisión en el mundo, donde narran en 10 capítulos de un hora, las memorias de los veteranos de la compañía más laureada del ejercito norteamericano en la segunda guerra mundial: la compañía Easy de Paracaidistas.
El resultado no es una americanada heroica ni mucho menos,  es una narración respetuosa y muy cuidada, basada en las memorias de los veteranos reales de guerra que profundiza como nunca antes se había experimentado en el cine,  en las vivencias, anécdotas y penurias de esos hombres que decidieron ir a Europa a luchar contra el Nazismo.  Recuerda grandes películas bélicas como Full Metal Jacket, Patton, o incluso en algún capítulo a Schindler´s List.

Para dar una pequeña muestra de su profundidad,  los capítulos son presentados por los mismos veteranos y algunas de sus memorias son impactantes.  Uno de los elementos más interesantes del formato de serie, es que permite desarrollar las historias con tiempo y centrándose en el factor humanos y no en la acción o efectos especiales.   El cine recurre a explosiones y golpes de efecto para atraer público, pero las series no tienen esa necesidad y se puede centrar en la narración y desarrollo de los personajes.



Recomiendo mucho comprar esta serie para tenerla en casa y poder verla con calma.  Es un homenaje real a los que lucharon en una guerra durísima y cruel, y aunque creo que ninguno de nosotros queremos que existan guerras,  hay veces que la guerra se mete en tu vida y algunos pobres desgraciados tienen que ir a defendernos.
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